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Más allá de ARCO: mercado, ferias y nuevos públicos
Las ferias de arte tienen cada vez más espectadores que son, en cambio, incapaces de adquirir una obra original.
El mercado del arte contemporáneo vuelve a crecer tras dos años de descensos consecutivos, en un sector opaco donde los datos fiables escasean. Más allá del impacto económico y cultural que generan ARCO y las ferias paralelas que conforman la Semana del Arte de Madrid —como Art Madrid, JUSTMAD o Hybrid Art Fair—, su recuperación invita a reflexionar sobre el estado actual del mercado, el papel del coleccionismo y la manera en que estos espacios acercan el arte contemporáneo a un público cada vez más amplio, aunque muchos sigan contemplando lo que pocos pueden comprar.
Cada mes de marzo, miles de personas cruzan las puertas de IFEMA para adentrarse en ARCOmadrid, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España. Coleccionistas, galeristas, artistas, comisarios y visitantes convierten durante cuatro días a la capital en el principal punto de encuentro del arte contemporáneo del país y en uno de los focos culturales más relevantes del panorama internacional.
Las cifras al cierre de su 45.ª edición, celebrada del 5 al 8 de marzo, dan buena cuenta de la dimensión del acontecimiento: 95.000 visitantes, 211 galerías procedentes de 30 países, alrededor de 1300 artistas representados, un impacto económico estimado en 195 millones de euros y el mantenimiento de 1475 puestos de trabajo.
Sin embargo, estos datos explican solo una parte de lo que sucede durante la Semana del Arte de Madrid. Más allá de su peso económico y de su papel como gran escaparate del mercado internacional, las distintas ferias que conviven esos días en la capital revelan también un ecosistema diverso, en el que conviven grandes operaciones de coleccionismo, nuevas formas de exhibición y un esfuerzo compartido por acercar el arte contemporáneo a públicos cada vez más amplios.
ALGUNAS CLAVES
Para comprender el alcance económico de la Semana del Arte de Madrid conviene ampliar el foco. El principal informe internacional sobre mercado del arte, elaborado cada año por la feria Art Basel y la consultora Arts Economics, ofrece una de las pocas radiografías sistemáticas de un sector caracterizado por la opacidad de sus operaciones.
Liderado por la economista especializada en el sector y fundadora de Arts Economics, Clare McAndrew, el informe identifica cinco tendencias que ayudan a comprender la evolución de galerías, marchantes, casas de subastas y ferias en un contexto marcado por la inseguridad geopolítica y económica.
La primera de ellas apunta a una recuperación de las ventas mundiales de arte tras dos años consecutivos de descensos, hasta alcanzar un volumen estimado de 59.600 millones de dólares en 2025. En Europa, España figura entre los mercados que crecieron durante el último año, con un incremento interanual del 6%.
El informe confirma también el liderazgo de Estados Unidos, Reino Unido y China, responsables del 76% del valor total de las ventas mundiales, al tiempo que refleja avances en la representación de las mujeres artistas, cuyas obras concentraron el 37% de las transacciones, aunque las desigualdades siguen siendo significativas en los segmentos de mayor precio.
Entre las tendencias destacadas figura también el creciente protagonismo de las ferias de arte, especialmente entre las galerías de tamaño intermedio, así como una mejora moderada de las expectativas del sector pese a la persistente incertidumbre económica y política.
En este contexto, las ferias se consolidan no solo como espacios de compraventa de obras, sino también como puntos de encuentro entre artistas, galeristas, coleccionistas y un público cada vez más amplio. ARCOmadrid constituye el mejor ejemplo de esa doble condición: gran escaparate internacional del mercado del arte y, al mismo tiempo, una cita cultural capaz de atraer a miles de visitantes más allá del coleccionismo.
ARCO: MUCHOS VISITANTES, POCOS COLECCIONISTAS
Antes incluso de cruzar la entrada de IFEMA, una joven graba con el móvil en modo selfie una entradilla sobre ARCO mientras decenas de personas avanzan hacia los pabellones. La escena, cotidiana en cualquier evento cultural de grandes dimensiones, anticipa uno de los cambios más visibles en la relación entre el público y las ferias de arte.
No hace falta invertir demasiado tiempo recorriendo los stands para advertir que la inmensa mayoría de los asistentes participan como meros espectadores. Desde la irrupción de las redes sociales, muchos visitantes parecen asumir, además, un papel complementario como consumidores de experiencias culturales y generadores de visibilidad para el propio evento, en una dinámica donde la contemplación de las obras convive con la producción constante de contenidos.
Cualquier persona que pague la entrada puede visitar ARCO, pero no cualquiera puede comprar una obra aquí. Una realidad que ejemplifica cómo la especulación rodea al mercado del arte. Esta deriva ha caracterizado al coleccionismo desde las vanguardias artísticas hasta la actualidad y ha contribuido a excluir al público general, privándolo en gran medida del papel de comprador. Esto se debe a la necesidad de disponer de considerables recursos económicos, a lo que se une la creación artificial de la demanda, favorecida por prácticas como las compraventas entre galerías, que concentran buena parte de las transacciones y condicionan la formación de los precios.
Tal y como señala José Luis Cano de Gardoqui García, profesor titular de Historia del Arte en la Universidad de Valladolid (UVa), en Tesoros y colecciones. Orígenes y evolución del coleccionismo artístico (2001), la concepción de la obra de arte como mercancía dotada de valor de cambio no surgió hasta la irrupción de la sociedad moderna, caracterizada por el tecnicismo y la competitividad. Este cambio de paradigma convirtió a la obra en objeto de especulación, pues pronto se vio que este sistema libre de mercado «permitía también al acaparador ser el primero en comprar obras que en el curso de pocos años podían aumentar considerablemente su valor».
Desde entonces, factores como el conocimiento práctico de las cotizaciones o la identificación de los periodos de mayor valoración en la trayectoria de un artista han ido desplazando a otros criterios, como la formación cultural o el perfeccionamiento de la sensibilidad artística, hasta convertirse en elementos predominantes en la valoración y adquisición de obras. «La intuición y sensibilidad estética que permitía a los buenos coleccionistas prever y aislar valores que no eran de consumo para la futura historia del arte no supone ahora una garantía de inversión que posibilite elevadas ganancias», determina el profesor de la UVa.
Las decisiones económicas que condicionan la circulación de las piezas y la construcción de su valor permanecen concentradas en círculos especializados, apenas perceptibles para quien transita los pabellones de un recinto como IFEMA. De este modo, las ferias ponen de manifiesto la tensión persistente entre su vocación pública de acercar el arte a audiencias amplias y las dinámicas privadas comerciales.
La existencia de ferias paralelas permite a la Semana del Arte demostrar que es posible establecer nuevos vínculos entre público y coleccionismo. Y es que, durante estos días, no solo se toma el pulso al mercado contemporáneo; también se anticipan algunas de las tendencias que marcarán su evolución en los próximos años. Además, es en estas otras ferias donde encuentran cabida artistas, galerías y formas de creación aún alejados de los grandes circuitos, ganando así una oportunidad para adquirir visibilidad.
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Compartir por WhatsApp ART MADRID: DONDE CONVIVEN LOS LENGUAJES DEL ARTE
Después del ritmo vertiginoso que impone la visita a ARCO, la luz natural de la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles invita a bajar el paso. La inmensa bóveda, compuesta por más de dos mil cristales triangulares, no solo modifica el espacio que reúne a las 35 galerías nacionales e internacionales y más de 200 artistas que forman parte de la 21.ª edición de Art Madrid, también transforma la manera de mirar. Las obras parecen respirar con distancia y el recorrido para contemplarlas se vuelve pausado en la que continúa siendo la principal de las llamadas ferias paralelas.
Durante cinco días, cerca de 20.000 visitantes conviven con la presencia de pintura, escultura, fotografía, instalación y propuestas híbridas que evidencian la diversidad de lenguajes presentes en la creación contemporánea. Para su directora artística, Yudinela Ortega, la singularidad de Art Madrid reside en esa pluralidad: «Art Madrid no tiene una línea curatorial definida, ya que intenta integrar y respetar el ADN de cada una de las galerías que participan».
Frente a una tendencia cada vez más extendida de homogeneizar los discursos expositivos, la organización apuesta por preservar la identidad de cada proyecto y permitir que sea el propio visitante quien descubra las conexiones, diferencias y particularidades de las obras expuestas. Esa filosofía se ha trasladado también a su programa paralelo, con recorridos comisariados, performances y proyectos específicos concebidos para activar la relación entre las piezas y el público.
Se han reforzado además iniciativas como Open Booth, dedicada a dar visibilidad a artistas con menor presencia en los circuitos comerciales tradicionales. En esta edición, el artista cubano Daniel Barrio presentó el site specific Despiece. Protocolo de mutación, construido a partir de restos urbanos, materiales industriales y fragmentos de historia: «Juego con las certezas de las personas y hablo de la finitud, porque vivimos en un mundo que está constantemente desechando. Yo recupero los materiales para hacer arte».
JUSTMAD: TALENTO EMERGENTE Y COLECCIONISMO ACCESIBLE
Desde su creación en 2010, JUSTMAD ha construido una identidad propia basada en la detección de nuevos talentos y en la apuesta por proyectos que, en muchos casos, afrontan sus primeras experiencias en el circuito ferial internacional. Visitando el Palacio de Neptuno, aparece la sensación de que adquirir una obra original deja de ser una posibilidad reservada a unos pocos. Es la feria en la que cualquier persona interesada en comenzar a invertir en arte puede plantearse adquirir un collage, un libro, una fotografía o una pequeña pieza de cerámica.
La 17.ª edición, con más de 20.000 visitantes y cerca de 400 obras vendidas en sus cuatro jornadas de apertura al público, vuelve a confirmar a JUSTMAD como una de las principales plataformas de visibilización para artistas y galerías emergentes dentro de la Semana del Arte de Madrid. Más allá de las cifras de asistencia o ventas, el evento ha logrado consolidarse como un punto de encuentro para coleccionistas interesados en descubrir nuevas trayectorias antes de que alcancen mayores niveles de reconocimiento.
Una vocación de descubrimiento que, en palabras de la directora artística, Laura Darriba, aporta «mucho aire fresco y mucha novedad», gracias a la presencia de proyectos innovadores y la participación de galerías que han abierto hace muy poco tiempo. Es el caso de LUMBRE Gallery, un espacio curatorial independiente con sede en Madrid que desarrolla exposiciones de duración limitada y con un enfoque conceptual.
En un mercado cada vez más competitivo, la feria reivindica el valor del riesgo y la experimentación, actuando como un escaparate para los creadores que buscan abrirse camino y para las galerías dispuestas a apostar por ellos. «Nos diferencia nuestra apuesta personal por el artista, cuyo universo ayudamos a compartir y trasladar», explica Darriba. La clave reside en ofrecer un lugar donde la singularidad de cada creador o creadora tenga cabida por encima de las tendencias dominantes.
HYBRID: DESCUBRIR UNA OBRA DESDE LA HABITACIÓN DE UN HOTEL
Recorrer las cuarenta y cinco habitaciones del Hotel Petit Palace Santa Bárbara, situado en el céntrico barrio de Chamberí, durante la celebración de la Semana del Arte de Madrid supone asomarse a puertas entreabiertas sin saber qué universo artístico espera al otro lado. El impulso del descubrimiento hace inevitable que se despierte la curiosidad al cruzar el umbral de un espacio concebido para la intimidad.
«Buscamos el efecto sorpresa: el visitante vive el universo de una galería desde un punto de vista muy instalativo», explica Ana Sanfrutos, codirectora de Hybrid Art Fair al hablar sobre la 10.ª edición de la feria, en la que participaron 150 artistas de diversas nacionalidades, con una destacable presencia del mercado latinoamericano. Cada estancia funciona como un lugar donde las obras se integran en un entorno cotidiano, favoreciendo una experiencia más cercana.
Esa proximidad constituye, precisamente, uno de los principales atractivos de Hybrid tanto para el público como para los coleccionistas, ya que muchos de ellos acuden a la feria en busca de artistas todavía poco conocidos y de propuestas alejadas de los circuitos consolidados. «Ya se ha visto que artistas que han pasado por aquí han tenido carreras espectaculares después», señala Sanfrutos.
Más que un escaparate comercial al uso, Hybrid se reivindica como un espacio donde conviven la experimentación, el riesgo y la posibilidad de identificar algunas de las voces que marcarán el futuro de la creación contemporánea. Las propuestas, como la monumental instalación de dos toneladas y media de confeti de la artista Virginia de Diego para la galería Dorian Loci, son en muchos casos concebidas para el evento, por lo que se suele apostar por los formatos híbridos, las instalaciones específicas y las obras pensadas para dialogar con la arquitectura de las habitaciones, con el objetivo de potenciar la curiosidad y la voluntad de juego.
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SIN MIEDO A CRUZAR EL UMBRAL DEL ARTE
Cruzar la puerta de una feria de arte contemporáneo sigue siendo, para muchas personas, un gesto cargado de dudas. La sensación de que se trata de un espacio reservado para expertos o grandes coleccionistas continúa muy presente. Sin embargo, más allá de sus diferencias, las ferias comparten una misma vocación: invitar al público a cruzar el umbral y demostrar que el arte también puede disfrutarse desde la curiosidad, sin necesidad de comprar una obra o conocer los códigos del sector.
«Intentamos abrirnos a todos los públicos, buscamos accesibilidad y cercanía», explica Yudinela Ortega, de Art Madrid. Para ella, facilitar el contacto directo entre visitantes, galeristas y artistas rompe las barreras simbólicas que todavía rodean a este tipo de eventos. «Que no puedas permitirte comprar una obra no quiere decir que no te interese conocer la obra o el artista. Hay que educar y sensibilizar, para que el público deje de pensar que el arte es solamente para las clases sociales más altas», apunta.
JUSTMAD comparte esa voluntad de invitar al público a dar el primer paso. «Queremos que la gente pueda disfrutar el arte, sea o no sea coleccionista. Por eso estamos abiertos a hacer visitas y explicar los proyectos», resume Laura Darriba.
En Hybrid, esa invitación se traduce en una experiencia menos solemne y más cercana, en la que el visitante puede descubrir que el arte contemporáneo no es un territorio ajeno. «Tenemos otro tipo de público, que no va a ninguna otra feria. Aquí encuentran diversión, pueden relajarse. Hay personas que descubren que pueden comprar una obra porque no está fuera de su poder adquisitivo», explica Ana Sanfrutos.
Para la codirectora, el verdadero éxito llega cuando desaparece el miedo inicial: «Nos hace mucha ilusión que gente que nunca se había planteado comprar salga de aquí con una o dos piezas. No tiene por qué ser coleccionismo, a veces simplemente quieren llevarse ese fragmento de belleza a casa. Y eso nos parece precioso».
Quizá esta sea una de las mayores aportaciones de las ferias paralelas a la Semana del Arte de Madrid: no solo abrir nuevas puertas para artistas y galerías, sino conseguir que cada vez más personas se animen, por primera vez, a cruzar el umbral del arte.
